Die 11 besten Arthouse-Horrorfilme

Horrorfilmszene zu Hause ansehen
Miodrag Ignjatovic / Getty Images

Slasher- und Folterfilme sind alles schön und gut, aber manchmal ist es so, dass man sie nicht brain sucht nach mehr als mutwilligem Blutvergießen in einem Halloween-Film.

Es ist eine unglückliche Tatsache der Filmkritik, dass Horror wahrscheinlich das am meisten unterschätzte aller Genres ist. Von Kinogängern häufig als trashig oder niedrig angesehen und von der Akademie fast vollständig ignoriert, Horrorfilme gelten normalerweise als billiger Nervenkitzel für sadistische Zuschauer.Akademiker und Gelehrte haben wiederholt versucht, Horror vor seinem schlechten Ruf zu retten, indem sie auf die latenten feministischen Motive im gesamten Genre hinwiesen und die avantgardistischen Bestrebungen selbst der Filme mit dem kleinsten gemeinsamen Nenner feststellten. In der Zwischenzeit suchen echte Autoren regelmäßig nach Inspiration für Horror und haben einige ihrer größten Kreationen herausgebracht, während sie die Dunkelheit im Inneren erkundeten.

In diesem Sinne haben wir eine Liste des unterschätzten Arthouse-Kinos für den abenteuerlustigeren Horror-Fan zusammengestellt.

(Inhaltswarnung: Alle folgenden Filme zeigen extreme körperliche und sexuelle Gewalt.)

Raw (2016)

Horrorfilme unter weiblicher Regie sind aufgrund des grassierenden Sexismus der Filmindustrie leider rar gesät, aber es ist für jeden, der es weiß, offensichtlich, dass Frauen genauso viel oder mehr als Männer zum Genre beigetragen haben. Das melodramatische Horror-Meisterwerk Raw der französischen Regisseurin Julia Ducournau ist ein Beispiel für die vollständige Beherrschung des Genres: In einer surrealistischen und futuristischen Tierarztschule kämpfen zwei Schwestern gegen ihre unerklärlichen kannibalistischen Triebe. Obwohl die Prämisse wild ist, ist die Geschichte gruselig untertrieben und nachdenklich: Hat die Genetik der Mädchen sie dazu verdammt, Wendigos zu werden, oder ist es eine Metapher für die unglückliche und untrennbare Verbundenheit, die wir alle mit unseren Familien haben?

Climax (2018)

Regisseur Gaspar Noé wurde bekannt für seine psychedelischen Erkundungen des Todes in Filmen wie Enter the Void und Irreversible. Climax verwendet viel von der gleichen Kameraführung und exzentrischen Farbpaletten seiner früheren Arbeiten, gibt aber den philosophischen Vorwand auf und macht diesen Film weit weniger protzig. Die Prämisse: Eine französische zeitgenössische Tanztruppe aus Ballroom Battlern und Breakdancern feiert die letzte Nacht vor einer großen Aufführung, als jemand viel zu viel Säure in die Getränke aller Tropfen lässt. Die Truppe beginnt verrückt zu werden, während sie ein letztes Mal ihre Routinen übt. Dann, Gewalt bricht aus – zu einem Soundtrack von Bass-hämmernden Französisch House-Musik. Es sind die Körper der Tänzerinnen, die sich verdrehen, wirbeln und in Vergessenheit geraten, die den eindringlichen Hintergrund bilden, auf den die totalen Zusammenbrüche der Protagonistinnen übertragen werden.

Antichrist (2009)

Regisseur Lars Von Trier hat mit seinem neueren filmischen Output sicherlich das tiefe Ende erreicht, aber Antichrist bleibt ein zutiefst verstörender Blick auf extremen Nihilismus und depressive Psychose. Charlotte Gainsbourg und Willam DeFoe spielen ein Ehepaar, dessen Kind auf tragische Weise gestorben ist. Sie ziehen sich in ein ruhiges Häuschen im Wald zurück, wo sie über die Natur des Bösen nachdenken. Es wird klar, dass keiner von beiden die Realität wirklich fest im Griff hatte, und sie beginnen, sich selbst zu verstümmeln — im wahrsten Sinne des Wortes —, wenn sich ihre geistige Gesundheit auflöst. Von Triers These ist, dass letztendlich die menschliche Existenz von Natur aus hasserfüllt und ekelhaft ist, wie auch dieser Film. Aber es ist auch krass schön, auf die seltsamste und traurigste Weise.

Inland Empire (2006)

David Lynchs obskure und unergründliche Kosmologie wird mit seinem letzten abendfüllenden Film zu seinem logischen Abschluss gebracht. Dieser mehr als 3-stündige, nicht narrative Albtraum beginnt mit Laura Dern, die eine Schauspielerin spielt, die möglicherweise den Verstand verliert oder nicht, und versehentlich einen Fluch aufdeckt. Was von dort aus passiert, ist nicht genau erklärbar, aber es ist sicherlich schrecklich. Spielt sie mehrere Charaktere oder hat sie mehrere Persönlichkeiten? Hat sie einen Nervenzusammenbruch oder bröckelt die Realität um sie herum? Verwirrend in die Filme sind Szenen aus Lynchs verlassenen surrealistischen Anti-Comedy-Kaninchen, in denen humanoide Hasen in unzusammenhängenden und inkohärenten Klischees sprechen, gepaart mit einer nervigen Lachspur. Lynchs Kinematographie bleibt durchweg dunkel üppig, obwohl die tatsächlich dargestellten Ereignisse völlig inkohärent sind. Es ist zutiefst beängstigend und — irgendwie – auch ziemlich spirituell.

Suicide Club, or Suicide Circle (2001) + Noriko’s Dinner Table (2006)

Eine Zeit lang war Japans Selbstmordrate eine der höchsten in der entwickelten Welt — aber aufgrund kultureller Tabus blieb das Thema sowohl in psychologischen als auch in künstlerischen Untersuchungen zu wenig erforscht. Suicide Club umworben Kontroverse, indem sie das Thema frontal. In diesem traumhaften Meisterwerk erkundet Regisseur Sion Sono eine Art allgegenwärtige kulturelle Paranoia inmitten einer grotesken Geistergeschichte, die auf einer Verschwörung der Popkultur basiert. Die erste Sequenz des Films, in der eine ganze Klasse von Schulmädchen vor einen fahrenden Zug springt, der zum Pop der Stadt fährt, ist irgendwie urkomisch und traumatisch zugleich. Der Film hat definitiv eine Campiness — es gibt sogar eine Rocky Horror-bezogene Musiknummer, die genau in der Mitte platzt —, aber die Geschichte wird am Ende zu etwas viel Unheimlicherem.

Norikos Esstisch, der sowohl als Fortsetzung als auch als Prequel zu Suicide Club dient, verzichtet vollständig auf den Humor seines Vorgängers. Der Film untersucht die Trauer der Familie eines der Mädchen aus der Eröffnungsszene des ersten Films. Über eine obskure Agentur beauftragen sie eine junge Schauspielerin, ihre Tochter beim Abendessen zu spielen, weil sie sie so sehr vermissen. Aber während sie trauern, wird ihre Trauer immer wahnhafter, bis sich herausstellt, dass vielleicht geheime und apokalyptische kriminelle Organisationen die ganze Zeit schuld waren. Noriko’s Dinner Table ist eine wirklich verdrehte Fortsetzung der Geschichte von Suicide Club und eine ernsthaft krankhafte Meditation darüber, wie Trauer dazu führen kann, dass sich jemand völlig schizophren fühlt.

The Cell (2000)

Lassen Sie sich von den Headlinern des Films (Jennifer Lopez und Vince Vaughn) nicht täuschen, dass dies ein bescheidener Schlock ist. The Cell ist ein glamouröser Horrorfilm, der von der legendären Eiko Ishioka (oft bekannt für ihre maßgeschneiderte Couture, die Bjork häufig trägt) kostümiert wurde. Regisseur Tarsem Singh nahm ein eher fades Sci-Fi / Horror-Drehbuch über einen Psychologen, der durch die Gedanken eines Serienmörders reiste, und verwandelte es durch opulentes Produktionsdesign und eine exquisite gotische Fantasie, die von Künstlern wie Trent Reznor, Odd Nerdrum und Damien Hirst inspiriert wurde, in ein avantgardistisches Experiment. Es ist eine Schande, dass so vielen Horrorfilmen diese Art von akribischem visuellem Styling und Vorstellungskraft fehlt – da ansprechende Bilder selbst die banalsten Geschichten in packende Fantasien verwandeln können.

Videodrome (1983)

Als ein auf sensationelles Material spezialisierter Schurken-TV-Manager eine U-Bahnstation entdeckt, in der Videos von brutalisierten Frauen abgespielt werden, steigt er in eine verwirrende geheime Subkultur voller Sadomasochismus ab. Die Dinge werden seltsamer, als sich sein Körper in etwas Unmenschliches verwandelt, bis er bekanntermaßen einen VHS-Player / eine Vagina auf seinem Bauch entwickelt. Wenn die Beschreibung eigenartig klingt, ist der Film selbst noch beunruhigender. Cronenberg gibt dem Lovecraftian-Horror ein Update, indem er ihn mit der Baudrillardian-Philosophie verbindet, und das Ergebnis ist genau so verwirrend, wie es sich anhört.

Otto, or Up With Dead People (2008)

Der schwule Pornograf Bruce LaBruce arbeitet normalerweise im Medium der Erotik und dreht oft die Tropen der Blue Movies auf den Kopf: Darsteller, die beim Sex das Kommunistische Manifest rezitieren, oder leidenschaftliche Erkundungen der nackten Körper von Neonazis. Seine Einträge in Horror sind seltsam und hoch sexualisiert, aber Otto ist auch ungeschickt süß. Darin schlendert der gleichnamige schwule Zombie durch Ödland, bis er ein Duo avantgardistischer Filmemacher trifft, die den untoten Helden als ihren Hauptdarsteller besetzen. Kann er seine Sucht nach menschlichem Fleisch eindämmen – oder ist sein Zombieismus nur eine Metapher für die Einsamkeit der schwulen Identität? Mit Musik von Cocorosie verschiebt Otto die Grenzen von Porno und Horror — kein Wunder, dass der Regisseur nur wenige Jahre nach seinem Debüt in einer MoMA-Retrospektive ins Rampenlicht gerückt war.

Dogtooth (2009)

Ein schrecklich schiefgelaufenes Familienporträt: was passiert, wenn ein kontrollierender und gewalttätiger Vater seine Kinder von der Welt fernhält und sie jahrelang mit Fehlinformationen darüber füttert, was draußen passiert? Und was passiert dann, wenn diese Kinder anfangen, Sex zu entdecken? Was in Momenten wie eine friedliche — wenn auch etwas unkonventionelle – nukleare Welt erscheint, wird von Ausbrüchen extremer Bösartigkeit unterbrochen. Es gibt auch eine Handvoll wirklich komödiantischer Momente: Wie sieht Tanzen aus, wenn Sie noch nie jemanden gesehen haben? Es ist unklar, welche moralische Botschaft Regisseur Yorgos Lanthimos mit diesem abscheulichen visuellen Gedicht ausdrücken wollte: Ist es eine Warnung vor der inhärenten Feindseligkeit der Vaterschaft? Eine Ablehnung heterosexueller Fortpflanzungspraktiken? Der Film wurde von Kritikern gefeiert und für einen Oscar nominiert — eine extreme Seltenheit für das griechische Kino —, gewann aber nicht. Die Akademie wollte wahrscheinlich etwas weniger … beunruhigend.

Salò, oder die 120 Tage von Sodom ALIAS Pasolinis 120 Tage von Sodom (1975)

Der weithin angesehene italienische Regisseur Pierre Pasolini wagte sich mit seiner Adaption von 120 Tagen von Sodom des Marquis De Sade in die Tiefen der menschlichen Grausamkeit. In seiner Neuinterpretation werden die im Buch dargestellten Demütigungen in die Welt des faschistisch besetzten Italiens verpflanzt. Der Wahnsinn übernimmt, als eine Gruppe böser Libertinen junge Männer und Frauen entführt, um sie als Objekte ihrer sexuellen Bosheit zu verwenden. Der Film ist meist ein unaufhörlicher Marsch von Folterszenen, durchsetzt mit dunklen surrealistischen Fantasien: Eine beunruhigende Betrachtung der Tiefen des Bösen und der sexuellen Politik des Autoritarismus. Obwohl der Film häufig (und verständlicherweise) als völlig unwatchable angesehen wurde, erlebte er eine kritische Wiederbelebung, nachdem Regisseur John Waters ihn als persönlichen Favoriten beschrieben hatte.

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