Las 11 Mejores Películas de Terror de autor

escenas de películas de terror que se ven en casa
Miodrag Ignjatovic/Getty Images

Los slashers y las películas de tortura bien, pero a veces tu cerebro está buscando algo más que un derramamiento de sangre gratuito en una película de Halloween.

Es un hecho desafortunado de la crítica cinematográfica que el horror es probablemente el más subestimado de todos los géneros. Las películas de terror, consideradas frecuentemente como basura o de poca monta por los aficionados al cine y casi completamente ignoradas por la Academia, generalmente se consideran emociones baratas para los espectadores sádicos.

Académicos y académicos han tratado repetidamente de salvar el horror de su mala reputación señalando los motivos feministas latentes en todo el género y señalando las aspiraciones vanguardistas incluso de las películas de mínimo denominador común. Mientras tanto, los verdaderos autores miran regularmente hacia el horror en busca de inspiración y han desarrollado algunas de sus mejores creaciones mientras exploran la oscuridad interior.

Con esto en mente, hemos preparado una lista de cine de autor poco apreciado para los fanáticos del terror más aventureros.

(Advertencia de contenido: Todas las películas a continuación representan violencia física y sexual extrema.)

Raw (2016)

Las películas de terror dirigidas por mujeres son desafortunadamente pocas y distantes entre sí debido al sexismo desenfrenado de la industria cinematográfica, pero es obvio para cualquiera que sepa que las mujeres han contribuido tanto o más que los hombres al género. La obra maestra de terror melodramática de la directora francesa Julia Ducournau, Raw, es un ejemplo de dominio completo del género: Ambientada en una escuela de veterinaria surrealista y futurista, dos hermanas luchan contra sus inexplicables impulsos caníbales. Aunque la premisa es salvaje, la historia es escalofriantemente discreta y reflexiva: ¿La genética de las niñas las ha condenado a convertirse en wendigos, o es una metáfora de la desafortunada e inextricable interconexión que todos tenemos con nuestras familias?

Climax (2018)

El director Gaspar Noé se hizo conocido por sus exploraciones psicodélicas de la muerte en películas como Enter the Void e Irreversible. Climax utiliza gran parte del mismo trabajo de cámara y paletas de colores excéntricas de sus obras anteriores, pero abandona el pretexto filosófico, haciendo que esta película sea mucho menos pretenciosa. La premisa: Un grupo de danza contemporánea francesa de battlers de salón de baile y breakdancers está celebrando la última noche antes de una gran actuación cuando alguien deja caer demasiado ácido en las bebidas de todos. La compañía comienza a volverse loca mientras practica sus rutinas por última vez. Luego, la violencia estalla, con una banda sonora de música house francesa que golpea el bajo. Son los cuerpos de los bailarines, que se retuercen, giran y se sumergen en el olvido, los que proporcionan el telón de fondo inquietante sobre el que se transponen los desgloses totales de los protagonistas.

Antichrist (2009)

El director Lars Von Trier sin duda ha perdido la cabeza con su producción cinematográfica más reciente, pero Antichrist sigue siendo una mirada profundamente perturbadora tanto en el nihilismo extremo como en la psicosis depresiva. Charlotte Gainsbourg y Willam DeFoe interpretan a una pareja casada cuyo hijo ha muerto trágicamente. Se retiran a una cabaña tranquila en el bosque donde comienzan a contemplar la naturaleza del mal. Queda claro que ninguno de los dos tuvo realmente un fuerte control de la realidad, y comienzan a mutilarse a sí mismos, literalmente, a medida que su cordura se desenreda. La tesis de Von Trier es que, en última instancia, la existencia humana es inherentemente odiosa y repugnante, al igual que esta película. Pero también es muy hermoso, de la manera más extraña y triste.

Inland Empire (2006)

La oscura e inescrutable cosmología de David Lynch se lleva a su conclusión lógica con su último largometraje. Esta pesadilla no narrativa de más de 3 horas comienza con Laura Dern, interpretando a una actriz que puede o no estar perdiendo la cabeza, descubriendo accidentalmente una maldición. Lo que sucede desde allí no es exactamente explicable, pero es ciertamente horrible. ¿Está interpretando múltiples personajes o tiene múltiples personalidades? ¿Está teniendo una crisis nerviosa o la realidad se está desmoronando a su alrededor? Confusamente intercaladas en las películas hay escenas de conejos anticomedias surrealistas abandonados de Lynch, durante las cuales los conejitos humanoides hablan en clichés inconexos e incoherentes combinados con una pista de risas desconcertante. La cinematografía de Lynch sigue siendo oscura y exuberante en todo momento, a pesar de que los eventos reales representados son completamente incoherentes. Es profundamente aterrador y, de alguna manera, también bastante espiritual.

Suicide Club, o Suicide Circle (2001) + Noriko’s Dinner Table (2006)

Durante un tiempo, la tasa de suicidios en Japón fue una de las más altas del mundo desarrollado, pero debido a tabúes culturales, el tema permaneció poco explorado en investigaciones psicológicas y artísticas. El Club del Suicidio cortejó la controversia al abordar el tema de frente. En esta obra maestra onírica, el director Sion Sono explora una especie de paranoia cultural generalizada en medio de una grotesca historia de fantasmas superpuesta a una conspiración de la cultura pop. La primera secuencia de la película, en la que toda una clase de colegialas salta frente a un tren en movimiento con música pop optimista de la ciudad, es de alguna manera hilarante y traumática. Definitivamente, la película tiene un carácter campestre, incluso hay un número musical Rocoso con inflexión de terror en el medio, pero la historia se desenrolla en algo mucho más siniestro al final.

Noriko’s Dinner Table, que sirve como secuela y precuela de Suicide Club, abandona por completo el humor de su predecesor. La película explora el dolor que siente la familia de una de las chicas de la escena de apertura de la primera película. A través de una agencia desconocida, contratan a una joven actriz para interpretar a su hija en las cenas porque la extrañan profundamente. Pero a medida que lloran, su dolor se vuelve cada vez más delirante hasta que se revela que tal vez las organizaciones criminales clandestinas y apocalípticas fueron las culpables todo el tiempo. Una continuación verdaderamente retorcida de la historia de Suicide Club, la mesa de Noriko es una meditación seriamente morbosa sobre cómo el duelo puede hacer que alguien se sienta totalmente esquizofrénico.

The Cell (2000)

No dejes que los cabezas de cartel de la película (Jennifer Lopez y Vince Vaughn) te engañen haciéndote creer que esto es un idiota de poca monta. The Cell es una glamorosa película de terror disfrazada por la legendaria Eiko Ishioka (a menudo conocida por su costura hecha a medida que Bjork usa con frecuencia). El director Tarsem Singh tomó un guion de ciencia ficción/terror bastante soso sobre un psicólogo que viaja por la mente de un asesino en serie y lo convirtió en un experimento vanguardista a través de un opulento diseño de producción y una exquisita imaginación gótica inspirada en artistas como Trent Reznor, Odd Nerdrum y Damien Hirst. Es una pena que tantas películas de terror carezcan de este tipo de meticuloso estilo visual e imaginación, ya que las imágenes atractivas pueden convertir incluso las historias más banales en fantasías cautivadoras.

Videodrome (1983)

Cuando un ejecutivo de televisión corrupto especializado en material sensacional descubre una estación de metro que reproduce videos de mujeres maltratadas, desciende a una subcultura secreta confusa llena de sadomasoquismo. Las cosas se vuelven más extrañas a medida que su cuerpo comienza a transformarse en algo inhumano, hasta que desarrolla un reproductor de VHS / vagina en su estómago. Si la descripción suena peculiar, la película en sí es aún más inquietante. Cronenberg actualiza el horror lovecraftiano mezclándolo con la filosofía baudrillardiana y el resultado es precisamente tan desorientador como suena.

Otto, or Up With Dead People (2008)

El pornógrafo gay Bruce LaBruce generalmente trabaja en el medio de la erótica, a menudo poniendo los tropos de las películas azules en sus cabezas: Artistas recitando el Manifiesto Comunista mientras tienen relaciones sexuales, o exploraciones apasionadas de los cuerpos desnudos de neonazis. Sus entradas en el horror son extrañas y altamente sexualizadas, pero Otto también es torpemente dulce. En ella, el zombi gay homónimo deambula por tierras baldías hasta que conoce a un dúo de cineastas de vanguardia que eligen al héroe no muerto como su protagonista. ¿Puede frenar su adicción a la carne humana, o es su zombiismo solo una metáfora de la soledad de la identidad gay? Con la música proporcionada por Cocorosie, Otto empuja los límites del porno y el horror, no es de extrañar que el director fuera destacado en una retrospectiva del MoMA solo unos años después de que debutara esta película.

Dogtooth (2009)

Un retrato familiar que salió terriblemente mal: ¿qué sucede cuando un padre controlador y violento mantiene a sus hijos encerrados lejos del mundo y les alimenta años de desinformación sobre lo que sucede afuera? ¿Y qué pasa cuando esos niños empiezan a descubrir el sexo? Lo que aparece en momentos como un mundo nuclear pacífico, aunque un poco fuera de lo común, está marcado por estallidos de extrema crueldad. También hay un puñado de momentos verdaderamente cómicos: ¿cómo se ve bailar si nunca has visto a nadie hacerlo? No está claro qué mensaje moral intentaba expresar el director Yorgos Lanthimos con este horrible poema visual: ¿Es una advertencia sobre la hostilidad inherente de la paternidad? ¿Un rechazo de las prácticas heterosexuales de procreación? La película fue aclamada por los críticos y nominada a un Oscar, una rareza extrema en lo que respecta al cine griego, pero no ganó. La Academia probablemente quería algo un poco menos desconcertante.

Salò, o los 120 Días de Sodoma, también conocido como Pasolini, 120 Días de Sodoma (1975)

El respetado director italiano Pierre Pasolini se aventuró en las profundidades de la crueldad humana con su adaptación de los 120 días de Sodoma del Marqués De Sade. En su reinterpretación, las indignidades representadas en el libro se trasplantan al mundo de la Italia ocupada por los fascistas. La locura toma el control como un grupo de libertinos malvados secuestra a hombres y mujeres jóvenes para usarlos como objetos de su malicia sexual. La película es sobre todo una marcha incesante de escenas de tortura, intercaladas con oscuras fantasías surrealistas: Una contemplación inquietante de las profundidades del mal y la política sexual del autoritarismo. Aunque con frecuencia (y comprensiblemente) se consideraba completamente imposible de ver, la película se enfrentó a un renacimiento crítico después de que el director John Waters la describiera como una favorita personal.

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